Aquí dejo y por petición de Truxa y su dirección del Salmón(aquí todo queda en familia pescaderaXD) algunas direcciones de conocimiento e información... Vamos a darnos una vueltecilla por lo Underground...

Te presento a Nick Zedd

Ideólogo básico y fundador del Cine de la Transgresión, Nick Zedd es un personaje tan extraño como su obra. Nacido en Washington D.C., Zedd tuvo una adolescencia solitaria y aparentemente trastornada por el descubrimiento del dadaísmo y el surrealismo, y por una temprana experiencia con L.S.D. Después de filmar algunos cortos en Super 8, Zedd se mudó a la ciudad de Nueva York, donde estudió arte y llevó una vida errática y bohemia, relacionándose con los circuitos cinematográficos subterráneos y llegando a conocer a Jack Smith, el legendario autor de Flaming Creatures (Criaturas flameantes). Su primer filme, They Eat Scum (Ellos comen basura, 1979), llamó la atención con una historia delirante sobre rockeros en un mundo post-apocalipsis. La película incluía varias escenas de canibalismo, bestialismo y crueldad general que la emparentaba con el polémico cine que Scott y Beth B. estaban realizando en esa época, pero, además de hacer un hincapié mayor en los elementos polémicos, la película exhudaba un nihilismo y un humor totalmente distintos a la velada corrección política de Beth B. Su segunda obra The Bogus Man (El hombre falso,1980) sí tenía elementos políticos más definidos en un argumento confuso sobre el secuestro y clonación del presidente de los Estados Unidos. Esa trama básica se veía interrumpida periódicamente por la aparición de una mujer gorda desnuda (en realidad un disfraz que los espectadores descubren luego de algunas apariciones) bailando frente a una bandera norteamericana. Dicho personaje, en un rasgo de humor autorreferente de Zedd, repetía constantemente la frase "¿por qué mis ojos tienen que ver esto?", algo que se repetiría en su obra siguiente Geek Maggot Bingo (1983), en la que hacía decir al tambaleante punk-rocker Richard Hell en medio de un decorado pintado a mano sobre cartones: "¿Qué tal algo de director Nick?" y advertía a mediados del filme: "Váyanse ahora, esto no va a mejorar". Las siguientes películas de Zedd muestran una variedad de intereses, abandonando progresivamente la narración lineal, incluyendo obras como Kiss Me Goodbye (Bésame de despedida, 1986), un corto sobre un beso que se va convirtiendo en un estrangulamiento; la ya mencionada Thrust in Me y la semi-pornográfica Whoregasm (Putasmo,1988), filmada en algunos segmentos con un rollo de película solarizada encontrado en un tacho de basura. También filmó tres obras que son esenciales para entender la estética del Cine de la Transgresión y la complicada mente de Nick Zedd: Police State (1988) es básicamente y como su nombre (Estado policial) lo indica una violenta crítica a la policía y a las instituciones represivas en general, que cuenta la detención y posterior tortura y mutilación de un joven en una comisaría, en un acto de crueldad gratuita narrada en forma lineal e interpretada por el propio Zedd. La notable secuencia inicial, en la que una mano anónima escribe el título de la película sobre la parte posterior de una patrulla policial, fue filmada disimuladamente frente a una comisaría y un error de cámara significó que dos autos policiales patrullaran ese día con dicha frase escrita en sus carrocerías. War is Menstrual Envy (La guerra es envidia menstrual, 1992) es la obra más ambiciosa de Zedd y prescinde deliberadamente de diálogos para acumular una serie de imágenes chocantes o estilizadas de extraños personajes evolucionando sobre un fondo musical de hip-hop y noise. La película utilizaba varios freaks auténticos como un hombre con el cuerpo y el rostro lleno de horribles quemaduras y otro tatuado de pies a cabeza, y debía ser proyectada en dos pantallas simultáneas, al estilo del Chelsea Girls (1968) de Andy Warhol. Sin embargo, posiblemente la más reveladora de las películas de Zedd sea The Wild World of Lydia Lunch (El salvaje mundo de Lydia Lunch, 1983), que es básicamente un documental de un viaje realizado por el cineasta con su entonces pareja, la cantante y performer Lydia Lunch, y que registra el auténtico deterioro de la relación, culminando con un mensaje telefónico de Lunch que fue utilizado sin el consentimiento de la misma. Con actos como éste, sumados a su intención de subsistir en forma parasitaria de sus relaciones, no es de sorprender que Zedd sea un personaje poco popular en algunos circuitos neoyorquinos. Imposibilitado económicamente de realizar una nueva película, Zedd escribió una autobiografía, Bleed (Sangra) que presentó en una escandalosa conferencia de prensa en la que varias personas se presentaron para reclamarle cuentas pendientes. Desde entonces se encuentra inmerso en varios proyectos aún no concretados por los mencionados problemas económicos y realizando giras de exhibición de sus películas por Europa, giras que más de una vez han terminado con su detención y el secuestro de sus filmes, excesivamente fuertes incluso para el liberal pensamiento europeo.

Su página oficial es www.nickzedd.com ahí podrás ver fotos e imágenes de sus películas


Aquí Richard Kern

Posiblemente el cineasta underground más célebre de la actualidad, Richard Kern es, a pesar del lapsus que significó su período de adicción a la heroína, un autor más prolífico que Zedd y aún más provocador, habiendo conformado una nutrida obra en la que la voluntad de escandalizar y chocar al espectador está siempre presente. Kern, punk-rocker fracasado, comenzó su carrera como cineasta con Goodbye 42 Street (Adiós a la calle 42, 1983), una fantasía sobre las trastiendas de las casas de pornografía ubicadas en la calle 42, a lo que siguió con un par de cortos sobre heroinómanos inyectándose y vomitando a causa de la droga. Conectado con Zedd y con su entorno, fue elegido por Lydia Lunch para dirigir The Right Side of my Brain (El lado derecho de mi cerebro, 1984), en la que la performer exponía verbal y físicamente su particular vida sexual acompañada por personajes que incluían a Henry Rollins, cantante de Black Flag, y al propio Kern. Luego de este filme, Kern realizó una de sus obras más conocidas y tal vez la más emblemática del Cine de la Transgresión, la ya mencionada The Manhattan Love Suicides. La película consistía de cuatro cortos referentes a violentas relaciones sentimentales, entre los cuales, además de su Thrust in Me, su colaboración con Kern, se contaban I Hate You Now (Te odio ahora), un violentísimo mini-drama sobre asesinato y auto-desfiguramiento protagonizado por el también cineasta transgresor Tommy Turner y Stray Dogs (Perros vagabundos), protagonizada por el artista plástico David Wojnarowicz que cuenta la historia de un homosexual enamorado de un pintor que sigue al objeto de su deseo hasta su casa y, ante el rechazo del mismo, se hace pedazos literalmente ante la mirada sonriente del pintor que utiliza la escena para comenzar un dibujo. La película se completaba con Woman at the Wheel (Mujer al volante), también repleta de sexo y muerte, esta vez en clave automovilísitica. A partir de The Manhattan Love Suicides, Kern produjo una serie de películas orientadas a shockear al espectador de forma explícita: You Killed Me First (Ustedes me mataron primero, 1985) presentaba a la actriz-ícono del Cine de la Transgresión, una joven de aspecto extraño y personalidad próxima a la locura llamada Lung Leg, personificando a una adolescente que tras haber sido quemados sus dibujos por su madre, asesina en forma cruel a toda su familia. Submit to Me (Sométete a mí, 1985) y Submit to Me Now (Sométete a mí ahora, 1987) parecen confirmar la tésis sostenida por Mike Hostench en su libro Pantalla de sangre de que Kern no siempre busca la provocación deliberada y que muchas veces se limita a retratar a su entorno del Lower East Side, entorno por demás decadente para la óptica media. Estos dos filmes no-narrativos muestran una serie de actos sexuales y performances sado-masoquistas, intercalados con escenas de sobredosis, suicidios y muerte en general. La desaparición del argumento o trama en estas películas lleva un paso más allá lo expuesto por Kern de la siguiente forma: "Yo tomo lo que me interesa de las películas y lo pongo en un formato más corto para no aburrirme. Lo que le interesa al público americano es el sexo, la violencia y el lado sórdido de la vida". Fingered (Dedeada,1986) es tal vez su obra más conocida y es una nueva colaboración con Lydia Lunch, y que narra una tormentosa relación de una pareja de viajeros que culminan violando y asesinando en una auto-estopista. El lenguaje de la película es de un grado de obscenidad tal que en una universidad un grupo de amigos realizaba "Fingered-parties" consistentes en ver el filme y tomar un trago de cerveza cada vez que se pronunciaba la palabra "fuck", terminando la exhibición absolutamente borrachos. En The King of Sex (El Rey del Sexo, 1987) hizo transvestirse nuevamente a Nick Zedd para narrar una fantasía sexual sin demasiado interés pero bastante porno. Simultáneamente a estas películas, Kern filmó videos para grupos neoyorquinos como Cop Shoot Cop o los siempre atentos Sonic Youth, a los que hizo personificar al Clan Manson para ilustrar su canción 'Death Valley 69' y participó en alarmantes performances en las cuales simulaba asesinar a un miembro del público durante conciertos de Lydia Lunch. Después de un período calamitoso en lo personal en el que Kern deambuló por San Francisco adicto a las drogas pesadas y en compañía de todo tipo de criminales, el director volvió a filmar, tras una difícil desintoxicación, optando por cortos menos violentamente explícitos y más estilizados como X= Y (1990), que consistía esencialmente de una serie de mujeres hermosas jugando con armas de fuego o Nazi (1991), strip-tease de una bella bailarina vestida de S.S. que culmina saludando a la usanza nazi a la bandera norteamericana. También comenzó a ser reconocido como fotógrafo, medio al cual dedica actualmente la mayor parte de su tiempo. Sin embargo sus últimas obras conocidas, My Nightmare (Mi pesadilla, 1992) y Sewing Circle (Círculo de costura, 1992), demuestraban que a pesar de las desintoxicaciones y cambios de vida los demonios de Kern seguían latentes: My Nightmare presenta a Kern masturbándose y fantasiando sobre una modelo y Sewing Circle es básicamente una filmación de la performer Kembra Pfahler haciéndose coser los labios de su vagina.

Aquí tienes la web oficial www.richardkern.com .Éste no es tan bueno como el otro pero...

Aqui está Jan Svankmajer , el genio escultor y del Stop-motion

Svankmajer comenzó haciendo un uso extenso y peculiar de la cámara, casi siempre a los efectos de secuencias fabricadas a través del stop motion , mientras comenzaba a entrenar su capacidad para animar prácticamente todos los objetos imaginables (y más tarde, objetos salidos de la imaginación más artera). Tanto en Johann Sebastian Bach: Fantasia G-moll (1965) como en Hra s kameny ( Juego con piedras , 1965) o Byt ( La habitación , 1968) es fácil percibir la creación de un estado todo menos bajo control, en el cual los espacios y objetos físicos cotidianos cobran inesperada vida y traducen una agitación propia de lo estados del sueño, solo que, en su caso, consisten en alterar una realidad consensuada y recta, creando una especie de distanciamiento del sujeto humano, dotando de independencia tanto a puertas y ventanas como a juegos de cubiertos o alimentos. En La habitación no es difícil percibir la amenaza y el estado agónico, kafkiano, que supone el claustro hogareño para un hombre que trata infructuosamente de emprender las labores comunes que identifican al ser humano con su entorno privado. En Johann Sebastian Bach: Fantasia G-moll , una sinfonía de claraboyas que se abren y cierran sobre la superficie de paredes agrietadas, así como de puertas y ventanales viejos, comentan la tentativa de viejas viviendas por ventilar sus encierros, aunque al cabo se trate de una tentativa infructuosa. Mientras que Kostnice ( El osario , 1970) plantea una coreografía para la cámara, que danza entre la orfebrería de osamentas que decoran los interiores de una capilla, cuyas fantásticas volutas, animada apenas por los balanceos de la perspectiva, crea un ambiente demencial y dan lugar a eso que algunos críticos han denominado “documental fantástico.”
Svankmajer ha declarado: “Nunca me llamé a mí mismo un cineasta de animación porque estoy interesado no en las técnicas de animación o en crear una animación completa, sino en traer a la vida a los objetos de todos los días. El Surrealismo existe dentro de la realidad, no además de ella (…) El surrealismo es sicología, filosofía, una senda espiritual pero no una estética”. De ahí que su contumacia antidogmática lo obligue a plantearse nuevos caminos, como lo hiciera desde que se empleara a fondo en las fantasmagorías de su cine, después de haber estudiado el arte del títere en Praga entre 1954 y 1958 y trabajar en ese oficio en escenarios como los del Club Cinoherní y la famosa sala Laterna Magika.
La propia Wendy Jackson ha escrito que “parte de la mágica genialidad de Svankmajer es su habilidad para convertir al filme, un medio estrictamente audiovisual, en una experiencia sensual, casi sinestésica.” Ello queda claro en esa primera gran obra maestra: Zvahlav aneb Saticky Slameného Huberta ( Jabberwocky , 1971). Su título al inglés significa, literalmente, “sinsentido”. En ella ha madurado su vocación antinarrativa, de relatos abiertos e ilógicos, pero que vuelven una vez y otra a tramarse con arreglo al diseño alegórico de la fábula, aunque en relatos cargados de imprevistos, saltos no apegados a un determinismo dramático sino al capricho de una racionalidad terrorista; que persigue no divertir o sorprender, sino alterar la regular lectura del mundo objetual que conforma el medio ambiente humano. Se trata de una gramática repleta de adherencias, que reúne imágenes documentales, muñecos de diferentes materiales, collages, dibujo animado, creando un universo único, cuyos contrastes intensos alimenta con una música que aporta a la agitación nerviosa de cada elemento un rito propio de la locura.
En Jabberwocky el relato se desata a partir de una serie de planos panorámicos de exteriores que ilustran los alrededores de una ciudad y un bosque ralo a través del cual vemos avanzar un escaparate. El mueble pasa a ocupar un rincón dentro de una habitación repleta de objetos propios de un infante. Cuando su interior nos es revelado, un traje de marinerito se desprende de la percha y danza por la habitación al ritmo de una melodía retozona. El propio cuarto se llena de la más extraña vida: una familia de muñecos que, alrededor de la mesa, devora pedazos de otros muñecos, tras servírselos direc tamente de una sopera; una navaja que da saltos encima de un tapete hasta que, el cerrarse sobre su cabo, da lugar a un charco de sangre que brota de su propio cuerpo; un gato negro que deshace, derribándola, la pared de bloques de juguete que persiste en armarse nuevamente… Un mundo que evoca las desobediencias e inventivas perennes que se suceden en la cabeza de un niño. Al final, el mueble del principio alberga un traje de señor y el gato se debate, preso, en el interior de una jaula estrecha; acabado el juego, muerta la libertad de la imaginación y la lucha de contrarios, el paraje de la habitación ha pasado a ser un sitio correcto y ordenado.
Es a partir de 1972 que, asediado por las dificultades que encontró para hacer su cine posteriormente a la invasión rusa de Checoslovaquia, se dedica con énfasis a la escultura, la cerámica, la escritura de poesía y otras formas estáticas de arte que ha denominado como sus “experimentos táctiles”. Ello dio lugar a un más estrecho trabajo con su esposa, la pintora y escultora Eva Smankmajerová.
Este período de relativo abandono del cine da lugar a una obra renovada, de una limpieza y seguridad asombrosas. De ahí que Moznosti dialogu ( Dimensiones de diálogo , 1982) constituya su apertura al mundo. La misma le mereció el gran premio en el festival de animación de Annecy, en 1983, y significó el despertar de un interés internacional por su trabajo, que ha dado lugar a estas alturas a continuadores como los hermanos Quay y Henry Selick.
Integrada por tres actos, en cada uno de los cuales se exponen igual cantidad de situaciones alegóricas a la imposibilidad de consenso y acuerdo en los intercambios simbólicos humanos, Dimensiones de diálogo muestra otra vez la capacidad de Svankmajer para encontrar ante cada nuevo asunto una manera singular de convertirlo en imágenes. A su manera, demuestra que eso es el cine, más que la cristalización de un instrumental expresivo retórico, repetitivo.

Su página oficial es www.illumin.co.uk/svank/

Y aquí algunas ilustraciones de Ashleigh Talbot, aquella ilustradora de libros y de tatuajes de la que te hable

Como veo que mi ordenador no da para más -_-U aquí te dejo la dirección

ahi muchísimas http://www.madametalbot.com/pix/posters/tilldeath1.gif